Vermeer, la luz de Delft (2ª parte)[#JuevArte]

La vida de Vermeer sufrió un serio revés con el inicio de la Guerra Franco-Holandesa en 1672 y la crisis económica que generó este conflicto. Comenzó a tener problemas tanto para vender sus cuadros como para comerciar con los de otros autores.

Esto le obligó a solicitar varios préstamos y endeudarse gravemente. La situación le angustió de tal manera que, en palabras de su mujer, Caharina Bolnes, «entró en un delirio y en el plazo de un día o día y medio pasó de un estado de salud plena a la muerte».

Se ha apuntado como posible causa médica de su fallecimiento una apoplejía o a un infarto. Sea como fuere, la realidad es que Vermeer fue enterrado el 15 de diciembre de 1675 en la Oude Kerk de Delft (Iglesia Vieja) en la tumba familiar que había comprado su suegra María Thins.

La situación económica en que quedó su familia fue nefasta y su viuda tuvo que renunciar a la herencia para hacer frente a parte de las deudas. Aún malvendiendo los cuadros de su marido, no logró recuperarse nunca de esta situación económica y murió en 1687 en la ruina.

Tras la muerte de Vermeer, su legado fue desapareciendo hasta casi caer en el olvido. Incluso, sabemos que algunos de sus cuadros fueron atribuidos a otros pintores contemporáneos suyos más valorados (como, por ejemplo, Peter de Hooch) para poder venderlos a un precio mayor.

Aún así, no podemos decir que desapareciera del todo, ya que existen catálogos de subastas de entre 1700 y 1850 en los que figuran obras suyas, como, por ejemplo, «Muchacha leyendo una carta frente a la ventana» (que en una venta posterior fue atribuida a Rembrandt).

Pero su gran redescubrimiento no se produce hasta el siglo XIX. Théophile Thoré-Bürger, un crítico de arte francés, queda fascinado cuando visita en 1842 el Museo Mauritshuis (La Haya) y contempla el cuadro «Vista de Delft».

Tanto es el impacto que le produce que comienza a investigar y logra catalogar en 1859 la obra “En casa de la alcahueta” de la Dresdner Galerie y, posteriormente, “La lechera” y “La callejuela”, que pertenecían a la colección Six de Ámsterdam.

Y partiendo de estos tres cuadros, fue capaz de encontrar y hacer públicas cerca de la mitad sus obras.En 1866 publica dos artículos elogiando a Vermeer y un catálogo con más de 73 obras (finalmente sólo 45 estaban correctamente atribuidas) en la Gazzette des Beaux-Arts.

Esta publicación supuso la presentación al mundo de nuestro protagonista y su redescubrimiento oficial.sin embargo, su gran labor tuvo un inconveniente: las numerosas atribuciones de obras a Vermeer de manera errónea generaron mucha confusión en los años posteriores.

Thoré-Bürger murió en 1869 y el testigo, como gran especialista en Vermeer, lo tomó un joven estudioso del arte holandés de la época llamado Abraham Bredius, que logró encontrar e identificar sus dos primeras obras: «Cristo en casa de Marta y María» y «Diana y sus compañeras».

La fama de Vermeer comenzó a crecer rápidamente, y a principios del S. XX sus obras se convierten en objeto de deseo de grandes coleccionistas de EEUU como Isabella Stewart Gardner, H. Clay Frick o el banquero John Piermont Morgan Sr.

14. Y desde entonces, el prestigio y el valor de Vermeer no ha dejado de crecer. Importantes museos del mundo le han dedicado maravillosas exposiciones como el https://www.museodelprado.es/ en 2003 👉https://www.museodelprado.es/actualidad/exposicion/vermeer-y-el-interior-holandes/462d572e-bbb2-4b22-9f18-9b4e2591dc05 y el http://www.louvre.fr en 2017 👉 https://www.louvre.fr/en/expositions/vermeer-and-masters-genre-painting.

Y, ante la imposibilidad de reunir todas sus obras en una exposición, su Delft natal le ha dedicado un curioso museo en el que podemos disfrutar de reproducciones de sus 35 cuadros a tamaño natural, así como de sus utensilios pictóricos y técnicos 👉 http://www.vermeerdelft.nl/nl/

Algo parecido, pero en versión digital, podemos encontrarlo en este proyecto de https://artsandculture.google.com/ que consiste en la recreación virtual de un museo en el que se conservan todas sus obras en realidad aumentada. ¡Es un auténtico espectáculo visitarlo! Este es el enlace: https://artsandculture.google.com/project/vermeer?hl=es

Las obras de Vermeer han sufrido robos («La carta», «La guitarrista» y «Dama escribiendo una carta y sirvienta» fueron sustraídas y felizmente recuperadas, pero «El concierto» sigue en paradero desconocido desde que fue robada en 1990 del @gardnermuseum) y falsificaciones…

Y el protagonista de estas falsificaciones fue uno de los más famosos de la historia, ni más ni menos que Han van Meegeren. Como su historia da para -al menos- otro post, os dejo este enlace que lo explica muy bien : https://www.labrujulaverde.com/2017/10/la-historia-de-han-van-meegeren-el-falsificador-que-confeso-para-no-ser-acusado-de-colaboracionismo-nazi

Y para terminar, haré un pequeño recorrido por algunas curiosidades de 4 de sus mejores obras. No será un comentario formal (hay mucha información de ese tipo ya en Internet), sino que me centraré en pequeños detalles que pueden llegar a pasar inadvertidos. ¡Allá vamos!

Sobre la identidad de «La joven de la perla» del @mauritshuis han corrido ríos de tinta (María, la hija mayor de Vermeer, una de sus sirvientas llamada Griet e,incluso, la hija del comisario de Delft). Sin embargo, no se trata de una representación de una persona real, sino de un «Tronie» un tipo de representación habitual en el barroco holandés en el que los pintores representaban un retrato con una expresión facial llamativa para mostrar sus dotes pictóricas y no con intención de representar a ninguna persona real.

Otro aspecto llamativo es la famosa perla: si nos acercamos, comprobaremos como el pintor es capaz de crearla sólo con una gruesa pincelada…

Y los ojos son una auténtica genialidad…

A título anecdótico, podemos recordar que Bansky recreó recientemente en una gran pared blanca del barrio portuario de Place Hanover (Bristol) esta obra. Su originalidad consistió en que utilizó la alarma del edificio para convertirlo en el pendiente del cuadro de Vermeer. Los vecinos de Bristol, jocosamente, rebautizaron esta obra como «Girl with Pierced Eadrum» (La joven con el tímpano perforado). 


Otra de sus obras más famosas es «La lechera», conservada en el https://www.rijksmuseum.nl/. En ella, Vermeer realiza un espectacular estudio de la luz y consigue transmitir una serenidad y una paz maravillosas. Hay algunos detalles en los que merece la pena fijarse…

En la ventana aparece un cristal roto con el que juega a la hora de iluminar la escena…

Y un clavo (del que podría haber colgado un mapa o un cuadro) que se encuentra solo en la pared y proyecta una sombra sólo al alcance de un gran maestro.

Y vemos cómo utiliza el «pointillé» (técnica pictórica que se basa en dispersar en toda la superficie del cuadro pequeños puntos de luz y que sólo usó él de entre sus contemporáneos) para representar los alimentos y los utensilios de cocina.

Y cómo utiliza puntos azules en la jarra, el cuenco y la leche para crear esa atmósfera lumínica tan personal y mágica.

Otros detalles son la estufa de pie (inicialmente había pintado una cesta llena de ropa) que puede simbolizar el calor del hogar o el amor conyugal, y un azulejo con la figura de Cupido que reforzaría esta última idea.

Otra de sus obras maestras es «El arte de la pintura» (también conocida como «Alegoría de la pintura») que se conserva en el https://www.khm.at/ de Viena.

Fue una de las obras que más apreciaba el pintor y de la que nunca se desprendió. De hecho, habiendo ya fallecido él, su mujer se la cedió a su madre (aduciendo una deuda con ella) para que los acreedores no se la arrebataran. Aparece representada Clío, musa de la Historia, y un pintor que hay quien ha relacionado con el propio Vermeer (teoría que no está aceptada actualmente).

Probablemente fuera una obra que utilizaba para mostrar su capacidad artística a sus futuros clientes, de ahí su interés por no perderla.El mapa de la pared tiene un gran protagonismo en la escena. La cartografía y los globos celestes están presentes también en otras obras

Gracias a Kevin R. Wittmann (@kr_wittmann), uno de los mejores especialistas en cartografía que conozco, he sabido que la producción de mapas y globos celestes en los Países Bajos en el S. XVII fue una de las más importantes por su calidad técnica y artística.

Quizá para darle valor, y para reflejar fielmente el interior de las casas de la población con cierto estatus económico, Vermeer representó estos mapas y globos celestes en sus obras.

En «El arte de la pintura», el mapa corresponde a uno realizado por Claes Jansz Vischer hacia 1692 y en él se representan las 17 provincias de los Países Bajos antes de la firma del Tratado de Westfalia.

El pintor ejerce una suerte de ilusionismo y juega con nosotros utilizando la cortina del ángulo superior derecho: está colocada de tal manera que tapa una esquina del mapa, parte de la trompeta, la silla y la mesa, invitándonos al espectador a «entrar en el cuadro» y retirarla.

Además, podemos ver su firma justo en la parte baja del mapa.

Hay quien ha señalado que la pata derecha del caballete no aparece porque fue eliminada voluntariamente por el pintor. Sin embargo hay quien niega esto aduciendo que queda perfectamente oculta tras el taburete y la pierna del pintor… ¿qué opináis?

«Vista de Delft», conservada en el @mauritshuis es -junto con «La callejuela»- el único paisaje que conocemos de Vermeer.

Marcel Proust, gran admirador de Vermeer, dijo de esta pintura que era «el más bello cuadro del mundo».En esta obra utiliza la técnica del «pointillé» sólo en los edificios y las personas, no en el agua.

En el cuadro aparecen 15 personas. Las 6 que están en primer plano, muestran su clase social a través de su indumentaria.

Se han hecho numerosas investigaciones para saber desde qué lugar exacto realizó Vermeer esta obra y se han identificado varios de los edificios que hay siguen en pie. Entre ellos, podemos ver el Oude Kerk de Delft (Iglesia Vieja) donde está enterrado nuestro protagonista.

Y es que en las obras de este gran pintor holandés, se pueden encontrar, siempre y cuando busquemos bien, simbologías y mensajes muy interesantes. Y si no los encontramos, siempre nos quedará su luz, la luz de Delft.

Joachim Patinir, “el buen pintor de paisajes” [#JuevArte]

Amberes, 1515. Las calles de esta ciudad, de cerca de 50.000 habitantes, son un hervidero en las que el auge económico se hace notar en cada esquina. En uno de los numerosos gremios de pintores de la ciudad, el de San Lucas, un joven y desconocido pintor nacido en la localidad de Dinant (al sudeste de Bélgica), se inscribe como nuevo integrante. Se trata de Joaquim Patinir, el considerado primer pintor de paisajes.

Historiográficamente, forma parte de los conocidos como pintores primitivos flamencos, grupo al que pertenecen figuras como Van Eyck, Van der Weyden, Van der Goes o Gerard David.

De este pintor flamenco tenemos pocos datos biográficos. Sabemos que debió nacer entre 1480 y 1485 y que desarrolló su carrera íntegramente en Amberes. Se casó en dos ocasiones y tuvo 3 hijas: Brigitte y Anna con su primera esposa (Francine Buys) y Pertenelle con Jehanna Noyts, su segunda mujer. Los archivos de la época nos informan de que en 1524 Jehanna Noyts ya era viuda, por lo que Patinir debió fallecer ese mismo año. También sabemos que ambas mujeres pertenecían a familias adineradas, es decir, que Patinir disfrutó de una cómoda situación económica tras sus casamientos. Esto explica que realizara tan pocas obras, en torno a 60, ya que no necesitaba pintar para vivir. De entre ellas existen en este momento 29 obras que consideramos obras suyas.

Cuando Patinir llegó a Amberes, sabía que era el centro neurálgico de la pintura en esa época y que la competencia que iba a tener iba a ser muy grande (más de 100 talleres de pintura y todos los días del año una lonja abría con más de 300 puestos de venta de cuadros). Si quería destacar debía crear algo distinto. Por eso decidió que la novedad que aportaría su pintura sería totalmente revolucionaria: en sus cuadros, el paisaje tendría todo el protagonismo.

Especialmente habitual era, en esa época, la representación de un paisaje visto a través de la ventana de una estancia en la que se desarrollaba una escena (conocido como representación de “los lejos”). Su arriesgada apuesta logró su objetivo, rápidamente obtuvo un gran éxito y los encargos empezaron a llegarle.

No sólo innovó en cuanto a la temática del cuadro, sino que creó un estilo personal y reconocible caracterizado por la representación de paisajes rocosos y, en muchas ocasiones, ríos y lagunas. Esas peculiares rocas y ríos que vemos es sus tablas es muy probable que sean recuerdos de su Dinant natal, donde existen estructuras rocosas prácticamente idénticas (conocidas como “Rocher Bayard”) y el cauce del río Mosa, que baña esta bonita localidad, es prácticamente igual al que aparece reflejado en muchas de sus obras.

También es muy peculiar y original el tipo de perspectiva que utiliza. Consiste en la utilización de franjas horizontales paralelas de terreno que se superponen en retroceso hacia el fondo. La de primer término se ve desde arriba y permite examinar de cerca las figuras y objetos representados. La franja inmediatamente superior representa cuando el paisaje se aleja, y el punto de vista se acerca más al del nivel de los ojos; y la tercera franja presenta un horizonte muy alto y la mirada se convierte adquiere un carácter más telescópico. Además, las personas, vegetación y animales representados en el cuadro se ven siempre de frente, sea cual fuere su colocación en el cuadro. Este tipo de paisaje tan peculiar fue denominado “paisaje del mundo”.

Desde el punto de vista cromático también advertimos esa división en franjas, predominando los tonos pardos, verdes y azules según ascendemos en la escena, apareciendo casi siempre un gran fogonazo blanco en lo más alto de la obra que rompe la línea con el horizonte. Pero es ese azul tan intenso y maravilloso el que es más fama y prestigio ha dado a Patinir. Para lograrlo utilizó pigmentos de azurita, un carbonato básico de cobre que logra dar ese aspecto

Otro aspecto que hay que señalar en referencia a su estilo es la influencia de El Bosco, además de la de los miniaturistas de la época

Se cree, como ya señalamos anteriormente, que pintó alrededor de 60 cuadros, de los cuales sólo conservamos 29. En la actualidad, 4 están en el Museo Nacional del Prado, 1 en el Monasterio de San Lorenzo de El Escorial, 1 en el Museo Nacional Thyssen-Bornemisza y el resto se encuentran diseminados por Europa, Filadelfia, Mineápolis y Nueva York. Sabemos que uno de sus grandes admiradores fue Felipe II, que llegó a reunir en vida.

El famoso grabador alemán Alberto Durero, uno de los grandes de la Historia del Arte, mantenía con Patinir una relación de amistad y admiración mutua desde que se conocieron con motivo de su viaje a los Países Bajos entre 1550 y 1551. En su “Libro de Viaje” describió a Patinir como como “der gute Landschaftmaler” («el buen pintor de paisajes»). Sabemos que acudió a su segunda boda y gracias a unos grabados que le regaló tenemos la única imagen de Patinir que se ha conservado gracias a la versión de Cornelis Cort, ya que los originales se perdieron.

En torno a la pintura de Patinir han surgido asuntos curiosos y anecdóticos. Por ejemplo, sabemos que firmó sus primeras obras y las últimas las dejó sin firmar. Sin embargo, sus contemporáneos descubrieron que en muchas de sus obras aparecía la pequeña figura de un hombre defecando, hecho que le valió el apodo de “Kaker” (“El defecador”) y que corriese la creencia de que era una manera “secreta” de firmar. Otras teorías apuntan a que se trata de figuras alegóricas al pecado, al infierno y a la muerte.

Otro elemento que hemos podido saber sobre este autor era que representaba la vegetación con gran precisión. A esta conclusión llegó el investigador botánico, paisajista, jardinero y maestro de jardineros Eduardo Barba que, ha inventariado, de las aproximadamente 1.700 piezas que muestra el Prado, todas aquellas en las que aparecen plantas y que podemos conocer a través de esta conferencia.

El Museo del Prado le dedicó una exposición en el año 2007, comisariada por Alejandro Vergara (Jefe de Conservación de Pintura Flamenca y Escuelas del Norte hasta 1700), en la que se lograron reunir la 29 obras conocidas.

Además, produjo un documental titulado «Patinir y la invención del paisaje» que, por su calidad y valor, recomiendo a todo aquel que quiera profundizar en la obra de este pintor. En el siguiente vídeo se puede ver un resumen.

Y es que Patinir es un pintor cuyas obras mezclan realidad y fantasía, haciéndonos imaginar y elucubrar qué está pasando en esos paisajes que evocan su Dinant natal.